I. Fr Gauguin Paul
Siesta
Giấc ngủ trưa – Paul Gauguin
Bức tranh "Siesta" được vẽ vào năm 1894, tuy nhiên, vì một lý do nào đó, Gauguin đã không đề cập đến nó trong "nhật ký về Tahiti" của mình.
Bức tranh ngay từ cái nhìn đầu tiên quyến rũ với cách giải thích khác thường của nó. Trước hết, nếu bạn so sánh nó với các bức tranh sơn dầu khác của Tahiti, bạn có thể thấy ngay rằng nó thực tế hơn – họa sĩ không vượt ra khỏi khuôn khổ của thế giới hiện có, không cố gắng tạo ra một bí ẩn nào đó cho ý định hoặc tương đồng với nó. Thứ hai, Gauguin tiếp cận bố cục một cách tự do hơn – trước mắt chúng ta không phải là một hình ảnh được mô tả chính xác, mà là một bức ảnh chụp nhanh, trong đó mỗi bức ảnh đều xuất hiện như nó hiện có.
Hình như lần đầu tiên người nghệ sĩ nghĩ, chẳng lẽ cuộc sống không diễn ra trong không gian rộng lớn của một hòn đảo xa lạ đầy truyền thuyết và giàu quá khứ thần thoại, mà chỉ diễn ra trong giới hạn của một ngôi nhà bình thường? Tất cả các hành động trong bức tranh diễn ra trên hiên, nơi bốn người phụ nữ đã tụ tập. Nhân vật trung tâm là người thợ ủi, người vẫn tiếp tục công việc kinh doanh thường ngày của mình. Ở phía trước, người phụ nữ đến mua sắm. Chủ nhân đã tả lại nữ anh hùng này cho người xem.
Tất cả các cô gái đều mặc trang phục thuộc địa, tươi sáng, hiện đại. Tuy nhiên, không có cuộc du nhập văn minh nào, kể cả dưới hình thức những bộ váy thời trang, làm rung chuyển miệng của những người phụ nữ Tahiti bình thường – họ vẫn bận rộn với công việc của mình và sống trong một thế giới quen thuộc.
Lớp vỏ văn minh chỉ là mặt ngoài, không phải là chất thay thế – hoặc người tuyên bố, hoặc tác giả của bức tranh đã tự thuyết phục mình. Như bạn đã biết, Gauguin đã đặt chân đến hòn đảo hoang sơ, hoang dã, kỳ lạ, hoang sơ này của người châu Âu. Tuy nhiên, Gauguin sẽ sớm thất vọng với những ý tưởng này, khi thấy rằng lối sống của người Tahitian luôn thua kém lối sống của người châu Âu, chỉ còn lại trong các bức tranh của Gauguin vĩ đại và bị hiểu lầm.
… Một lấp lánh là một bài hát thì thầm Bị mê hoặc bởi isma. Un moment c'est toi… I. Luzan, “Un moment”. Bức tranh của Gauguin vĩ đại dành riêng cho cuộc sống bình lặng và yên ả của người dân đảo Polynesia thuộc Pháp. Nó được vẽ vào năm 1892 và nằm trong số tám mươi bức tranh về thời kỳ hiệu quả nhất trong tác phẩm của họa sĩ. Chủ đề của các bức tranh thời đó là một bản sao về cuộc sống của người Tahiti. Nó phản ánh chi tiết cấu trúc, lối sống của các ngôi làng Polynesian, kể về những người mà nhiều người trong chúng ta chỉ biết qua phim tài liệu.
Nơi, nếu chúng ta nói cụ thể về nơi ở của nghệ sĩ, được gọi là Papeet - thủ đô của Polynesia thuộc Pháp. Tại đây, Gauguin đã dành một phần của những năm cuối đời và vẽ một loạt tranh, được gọi là tác phẩm của thời kỳ Tahiti. “Thầm thì” được xếp vào thể loại tranh có ý nghĩa đời thường. Thời điểm thể hiện trên bưc vẽ có lẽ là giờ ăn trưa, khi người dân trên đảo tranh thủ chợp mắt và thư giãn. Bãi cát đỏ bên góc tu viện trở thành một nơi ấm áp đặc biệt cho một nhóm cư dân.
Những mảnh đá và cỏ khô vàng nằm rải rác ở đây. Tác giả đã ban tặng cho cốt truyện hơi ấm cần thiết của mặt trời và bóng mát của những tán cây đồ sộ. Nói một cách dễ hiểu, đó là một góc làng ấm cúng với phong cảnh đơn sơ và những ngôi nhà mây khô ráo. Không giống như các thuộc địa của Nga, Papeet là một khu vực rất sạch sẽ và được bảo trì tốt.
Kiến trúc và bố cục của ngôi làng sống hài hòa với thiên nhiên, nhấn mạnh và hòa nhập với vẻ đẹp của nó. Trong tác phẩm của mình, Gauguin rất chú ý đến màu sắc ấm áp và cách viết chi tiết trôi chảy. Sự vắng mặt của sự hỗn loạn của các nét vẽ và sự năng động đặc trưng của trường phái Ấn tượng đã thể hiện bức tranh với tốc độ bình tĩnh, do đó nhấn mạnh một cách giả tạo sự tĩnh lặng và yên bình của phong cảnh làng quê. Bố cục “Whisper” được xây dựng trên cơ sở các mặt phẳng nhiều lớp. Trong trường hợp này, chúng tôi tìm thấy chính mình trên khác. Hãy tận mắt chứng kiến, cô gái ở phía trước, với tư cách là nhân vật chính, nằm cách xa trung tâm. “Ranh giới” của nó bị vi phạm bởi hậu cảnh với một nhóm dân làng dưới gốc cây.
Ảnh thứ ba – phong cảnh nông thôn với một ngôi nhà – ló ra từ phía sau tán của một cái cây cỡ trung bình. Giống như bánh phồng, hình ảnh được kết nối thành một tổng thể ngon lành duy nhất, đồng thời có cấu trúc chặt chẽ. Những bức tranh được kết hợp hoàn hảo trong canvas. Và trên thực tế, dường như họ đang thì thầm về các loại gia vị, một bầu không khí yên tĩnh của không khí khô với một chút muối từ Thái Bình Dương. Đây là một bảng màu ấm áp phức tạp của rau dền và màu da trâu, những đốm cháy cam và màu cỏ trà xanh. Chỉ có rìa xanh của bầu trời làm sống động tất cả các “gia vị” của Paul Gauguin.
https://painting-planet.com/fr/fr-gauguin-paul/
%20%E2%80%93%20Paul%20Gauguin.jpg)
Prière
pour le calice (Christ à Gethsémani) – Paul Gauguin 1889
Lời cầu nguyện cho Chén thánh (Chúa Kitô trong Ghết-sê-ma-nê)
Trong cuộc đời của
Paul Gauguin, nhiều vụ bê bối đã bủa vây ông và bức vẽ của ông, và một trong số
đó có liên quan đến tác phẩm "Chúa Kitô trong vườn Ghết-sê-ma-nê", được
vẽ vào năm 1889.
Sự kiện này đã thu
hút nhiều nghệ sĩ trong suốt lịch sử hội họa. Dürer, Ge, Polenov, Dore,
Kramskoy, Vrubel, Bernard và nhiều người khác có tác phẩm mang tên này trong di
sản sáng tạo của họ. Nhưng không ai dám miêu tả mình theo hình ảnh của Chúa
Kitô.
Vào đầu năm 1889, họa
sĩ bắt đầu say mê nghiên cứu Kinh thánh, kết quả là bốn bức tranh sơn dầu xuất
hiện mô tả Gauguin trong hình ảnh Chúa Giê-su. Bức tranh được trình bày là một
trong những tác phẩm nổi bật và nổi tiếng nhất. Nhờ bức thư của Gauguin gửi cho
Schuffenecker, người ta biết rằng đối với bản thân họa sĩ, tác phẩm này có tầm
quan trọng rất lớn.
Tác giả cố gắng khắc
họa nỗi đau của kẻ bị bỏ rơi, không quan trọng đó là người hay thần. Đối mặt với
thần tượng bị lật đổ, đau khổ có thể được đọc. Bị đệ tử và tín đồ ruồng bỏ, anh
bi thảm cúi đầu. Gauguin đã truyền tải những suy nghĩ đen tối và tâm hồn u buồn
của mình thông qua phông nền – tăm tối, ảm đạm và bí ẩn.
Gauguin đã chọn các
màu tối - màu xanh lam, xanh lá cây thậm chí còn tối hơn so với bảng màu sáng
mô tả khuôn mặt của Christ Gauguin. Điểm nhấn của bức tranh là đường chéo – người
xem bất giác nhìn từ khuôn mặt đen sạm của Chúa Giê-su đến những bóng người nhỏ
bé rời xa ngài.
Được biết, Gauguin đã viết về bức tranh này cho Van Gogh, lúc đó đang ốm nặng và đang ở tị nạn San Remy. Đồng thời, chính Gauguin cũng hiểu bức tranh này có thể gây ra phản ứng gì và đã hơn một lần lưu ý rằng nó không dành cho công chúng. “Tôi sẽ để nó cho riêng mình,” họa sĩ giải thích.
Ngày nay, các nhà phê bình nghệ thuật lưu ý rằng “Chúa Kitô trong Vườn Ghết-sê-ma-nê” là bức tranh mà mô típ về sự cô đơn được đọc rõ ràng nhất, lấp lánh trong tất cả các tác phẩm của Gauguin.
Chân dung vợ của Mette-Sophie Gauguin, khi còn là con gái, Gad thuộc về thời kỳ đầu tiên trong tác phẩm của họa sĩ.
Họa sĩ gặp Mette trẻ người Đan Mạch tại nhà của ông chủ và bạn thân của mẹ anh, Gustova Aroza. Nhờ Aroso Gauguin mà anh ấy đã nhận được vị trí môi giới chứng khoán và giải quyết các vấn đề vật chất của mình.
Năm 1873, Mette và Paul kết hôn và một năm sau, đứa con đầu lòng Emil của họ chào đời. Tổng cộng, cặp đôi sẽ có năm người con. Tuy nhiên, những đứa trẻ không thể cứu được gia đình, và khi Gauguin rời Polynesia, họ đã không còn nhau nữa.
Ngày nay, thật khó để nói điều gì đã gây ra khoảng cách, những khó khăn về vật chất nảy sinh do Gauguin nghỉ việc, sự khác biệt về tính cách hay đơn giản là cá tính tự do của người nghệ sĩ-người sáng tạo, người không bị ràng buộc bởi bất kỳ sự ràng buộc nào. Cặp đôi chia tay không tốt, không duy trì quan hệ thân thiện nên Mette thậm chí không cho rằng mình có nghĩa vụ phải thông báo cho chồng cũ về cái chết của con trai bà, Clovis vào năm 1900.
Bức chân dung của Mette được vẽ vào năm 1884, khi ông vẫn chưa ly thân. Chúng ta thấy một người phụ nữ trưởng thành trong bộ váy đẹp thanh lịch và trên tay là chiếc quạt. Đây là giai đoạn giàu có trong cuộc đời của Mette – Gauguin làm công việc môi giới, vẽ tranh vẫn chưa trở thành thu nhập chính của ông, vốn rất bấp bênh.
Nghệ sĩ đã giới thiệu vợ của mình với chúng tôi gần như trong hồ sơ, các đặc điểm trên khuôn mặt không thể nhìn thấy. Chiếc mũi nhọn, làn da trắng như tuyết, mái tóc dày, búi cao - đó là tất cả những gì có thể nói về vẻ ngoài của Madame Gauguin.
Từ phong cách của tác phẩm, bạn có thể thấy rằng tác giả vẫn còn lâu mới hình thành cuối cùng theo cách riêng của mình. Tác phẩm này mang hơi hướng trường phái ấn tượng cổ điển hơn. Vẫn không có màu sắc đó, đường nét rõ ràng, đường viền, tư thế tĩnh. Hình ảnh toát lên sự yên bình và ngưỡng mộ. Như thể chúng ta đang xem, với Gauguin, Mette xinh đẹp, người đang thích thú nhìn sang một bên, tay đeo găng, nắm chặt một chiếc quạt sặc sỡ.
Tác phẩm nổi tiếng của Paul Gauguin “Thu hoạch trái cây”, được nghệ sĩ vẽ vào lúc hoàng hôn của cuộc đời, khi sống trên đảo Tahiti. Nhiều học giả về tác phẩm của nhà hậu ấn tượng vĩ đại diễn giải tác phẩm này của ông theo những cách khác nhau.
Phiên bản chính của việc giải thích ý tưởng của bức tranh "Thu hoạch trái cây" là nghệ sĩ đã mô tả một cách tượng trưng hai nguyên tắc: tinh thần, thiên đàng và vật chất, trần gian. Bức tranh được chia thành hai nửa một cách trực quan: bên trái, nơi nghệ sĩ miêu tả những người phụ nữ với nhiều loại hoa và trái cây, tượng trưng cho thiên đường. Phần bên phải của hình ảnh, nơi chúng ta thấy một người cưỡi ngựa, một con chó với những chú chó con, một người đàn ông đang hái quả trên cây, kể về sự sa ngã của con người và cuộc sống của con người trên trái đất vật chất.
Màu sắc của bức tranh "Thu hoạch trái cây" là nét đặc trưng trong các tác phẩm của Paul Gauguin: nó sử dụng màu sắc tươi sáng để tạo cảm giác về một ngày nắng đẹp mà không mô tả mặt trời hay bầu trời. Hơn nữa, mặc dù cách thể hiện khá sơ đồ của các nhân vật trong tranh và các đặc điểm trên khuôn mặt của họ, họa sĩ vẫn đưa ra ý tưởng rõ ràng về các nhân vật và tạo ấn tượng.
Phần bên trái của “Thu hoạch trái cây” của Gauguin để lại cảm giác yên bình và vui vẻ, trong khi phần bên phải có phần xáo trộn và bất an, buộc chúng ta phải suy ngẫm về sự hữu hạn của con người và sự tất yếu của cái chết.
Những bức tranh của Paul Gauguin luôn chứa đầy những ý nghĩa và cảm xúc đặc biệt. Mỗi chi tiết nhỏ đều có giá trị. Sự tự tin trong đường nét, màu sắc đặc biệt, lối viết biểu cảm đã đưa tác phẩm của ông sánh ngang với tranh của những danh họa vĩ đại nhất mọi thời đại.
Giống như một đĩa trái cây, bức tranh của Paul Gauguin hiện ra trước mắt người xem. Môi trường xung quanh Arles, một thị trấn nhỏ ở Provence, quanh năm bị đóng băng bởi một mảng màu tươi sáng, tương phản của màu mơ, táo xanh và mận chín. Arles! Biết bao danh lam thắng cảnh mà tác giả đã dành tặng cho nơi này. Năm 1888, một giai đoạn tuyệt vời và cảm động trong cuộc đời của Gauguin ở một tỉnh miền nam nước Pháp, trở nên rất buồn tẻ và mùa thu.
Phong cảnh được đề xuất là một trong nhiều câu chuyện về bức tranh hòa bình của nghệ sĩ. Họa sĩ có một kỹ thuật cản thận, không trôi chảy, nhưng nguyên bản, phong phú và tương phản. Đối với một số người, hình ảnh sẽ có vẻ cách điệu và sơ sài. Nó là vậy, nhưng nó không phải là sự tôn vinh thái độ của chính Gauguin, mà là mốt cho những tâm trạng nổi loạn trong nghệ thuật thế kỷ 19 với cái tên phức tạp là “hậu ấn tượng”.
Khung cảnh cánh đồng giống với nhiều tác phẩm thời kỳ này. Nó đơn giản và dễ hiểu, mặc dù các nhà phê bình thời đó đã bị đánh lừa rất nhiều bởi kỹ thuật vẽ. Nhưng, mặc dù chữ cái nguyên thủy với sự sắp xếp có điều kiện của các đối tượng, như trong bản phác thảo, ý tưởng về công việc là điều dễ hiểu. Bản chất là vậy. Trong sự đan xen chặt chẽ của các yếu tố thực vật và sự hiện diện của con người, trong hình ảnh có một vị trí cho một đối tượng kiến trúc. Điều này trái ngược với kế hoạch chung không chỉ với sự bình tĩnh của bảng màu, mà còn với các đường thẳng và độ sắc nét của chúng.
Sự sắp xếp của các yếu tố cảnh quan sao cho mỗi mặt phẳng đều có quyền tồn tại độc lập – có thể là một bộ ba người im lặng, hoặc một mái vòm trên một ngọn đồi ở phía xa với một cây vân sam, hoặc một cái cây đồ sộ có tán trên mặt đất. Phải. Trong ảnh, bạn có thể viết những câu chuyện được chụp riêng lẻ, rải rác, giống như chính cốt truyện.
Tuy nhiên, bạn cần chú ý đến bảng màu. Nó kinh khủng đến mức trông giống như một giỏ trái cây hoặc kẹo, nếu bạn thích. Cuộc sống của những màu sắc đối lập, vốn là nền tảng của phong trào Trường phái Ấn tượng, đã hoàn toàn phù hợp với nét vẽ của Gauguin. Đây là một “tính năng” rất có lợi của xu hướng đã từng là chủ đề của nhiều lời chỉ trích. Bạn có thể tạo các mảng đơn giản gồm vương miện và cỏ được vẽ theo sơ đồ chỉ chơi với độ tương phản, làm đậm bóng râm bằng phổ màu lạnh kết hợp với màu ấm, thuần khiết.
Theo hướng của các nét vẽ, sự lựa chọn của một bàn chải, có thể đa dạng hóa các chi tiết khác nhau, ví dụ, cành thông và bạch dương. Paul Gauguin đã nghĩ ra một bức tranh sơn dầu bắt mắt với cách kể chuyện đơn giản về một thành phố của Pháp với màu sắc nhẹ nhàng dựa trên màu đỏ của mùa thu.
Paysannes bretonnes
Chuyến đi đến Brittany, mà Paul Gauguin đã thực hiện vào năm 1885, có tầm quan trọng rất lớn đối với việc hình thành phong cách nghệ sĩ của riêng ông. Tỉnh Brittany của Pháp với sự lãng mạn đặc trưng của nó là cơ sở cho cảm hứng và tìm kiếm các phương tiện biểu đạt mới.
Cả cuộc đời của mình, Gauguin đã tìm kiếm cuộc sống vĩnh cửu, một sự thật không thể chạm tới, và Brittany, nơi chưa bị vượt qua bởi những thành tựu mới nhất của nền văn minh với những cư dân đơn giản và những lo lắng hàng ngày của nó, đã trở thành bước đầu tiên của nghiên cứu này. Sau đó sẽ có Martinique và tất nhiên là Tahiti.
Ngày nay, mọi người đều biết rằng Gauguin là người phản đối hình ảnh của bất kỳ chuyển động hay tư thế năng động nào – mọi thứ nên “thở” bình tĩnh và đo lường. Đó là lý do tại sao tất cả các nhân vật trong các tác phẩm của bậc thầy đều tĩnh và trông giống như những bức tượng hoành tráng. Xu hướng đặc trưng này, sẽ hình thành cơ sở theo cách riêng, Gauguin bắt đầu áp dụng trong thời đại Breton của mình, và phụ nữ nông dân Breton là một ví dụ sinh động.
Các nhân vật nữ trong bức ảnh như đóng băng trong thời gian và không gian. Đồng thời, nghệ sĩ cố tình đưa các nữ điển hình gần gũi nhất lại gần nhau hơn, điều này như thu gọn không gian. Những hình tượng lớn của phụ nữ nông dân được vẽ bằng những đường nét đơn giản, rõ ràng, Gauguin coi trọng màu sắc hơn nhiều.
Bối cảnh rất đáng chú ý - mặc dù vai trò này được đảm nhận bởi phong cảnh, mục vụ ở nông thôn, Gauguin một lần nữa chứng minh tầm quan trọng của màu sắc, thay vì sự giống thật ngoài trời. Để tạo nền, bậc thầy chỉ sử dụng các màu sáng, thuần khiết, không có bóng và tông màu trung tính, theo Gauguin, làm hỏng hình ảnh. Kết quả là, những người nông dân xuất hiện trước khán giả, được bao quanh bởi một thế giới tươi đẹp có điều kiện, nơi mọi thứ xung quanh đều hài hòa, tươi mới và đầy màu sắc.
Có thể nói rằng tác phẩm này là tác phẩm đầu tiên, trong số những tác phẩm khác, có đặc điểm trang trí rõ rệt. Ngưỡng mộ khảm như một kỹ thuật nghệ thuật, với màu sắc thuần khiết, đường nét đơn giản và thiếu phối cảnh, Gauguin đã tạo ra chính xác những bức tranh như vậy, bộc lộ tối đa sức mạnh của màu sắc và đường nét trong đó.
Ngày nay, bức tranh “Phụ nữ nông dân Breton”, được trưng bày ở Munich, là một ví dụ sống động về một cái nhìn mới về sức mạnh và khả năng của màu sắc.
.jpg)
“Tầm nhìn sau buổi lễ” – sơn dầu trên canvas. Tranh của danh họa người Pháp Paul Gauguin, vẽ năm 1988. Hiện trưng bày tại National Gallery of Scotland, Edinburgh. Bức tranh mô tả một cốt truyện trong Kinh thánh, trong đó Jacob chiến đấu với một thiên thần. Cuộc chiến diễn ra ở hậu cảnh, mắt người xem chủ yếu quét qua hình ảnh những người phụ nữ trở về sau buổi lễ ở nhà thờ. Bức tranh được tạo ra trên Đại lộ Pont, Pháp.
Lúc đầu, Gauguin bắt đầu viết phong cảnh vào mùa hè, trên bầu trời rộng mở, và sau đó được truyền cảm hứng từ những người phụ nữ ngoan đạo. Sau đó, nghệ sĩ quyết định rằng nên viết những bức tranh sơn dầu dành riêng cho các chủ đề tôn giáo. Việc sử dụng màu sắc, hình dạng và đường nét trong Vision After the Ceremony thực sự thể hiện một cách tiếp cận hội họa mới và độc đáo. Lấy cảm hứng từ các bản in tiếng Nhật của mình bởi các bậc thầy của Hokusai và Hiroshige, Gauguin đã phát triển ý tưởng về những cảnh quan phi tự nhiên. Thay vì thể hiện màu sắc tự nhiên cho người xem, nghệ sĩ vẽ một hình ảnh bằng các màu đỏ, đen và trắng đậm.
Gauguin thậm chí còn thử nghiệm với các hình vẽ trên canvas, làm biến dạng hình dạng, phóng đại hình ảnh và sử dụng các đường màu đậm, thay vì áp dụng các chuyển đổi độ dốc mượt mà điển hình của các nghệ sĩ thời đó. Màu sắc phẳng và tĩnh. Không chắc trong trường hợp này chúng ta có thể nói về độ sâu của màu sắc. Gauguin đã cố gắng tránh xa những ý tưởng thường được chấp nhận và sự tự nhiên của màu sắc, cố gắng thể hiện cách anh ấy nhìn thế giới. Thật vậy, màu sắc, kỹ thuật và phong cách của một số bức tranh của Gauguin là do ông lấy cảm hứng từ các bản in của Nhật Bản.
Ở trung tâm của hình ảnh là một cái cây, dường như không có điểm bắt đầu cũng như điểm kết thúc. Nhìn bề ngoài, thân cây chia bố cục thành hai phần, ngăn cách những người phụ nữ và Jacob, người đang chiến đấu với thiên thần. Một giải pháp như vậy trong bố cục cũng giúp xác định các đối tượng chính của canvas. Phần uốn cong của thân cây ở trung tâm trùng khớp với hình dạng đầu của nữ tu nổi tiếng nhất, do đó, tất nhiên, cái nhìn đầu tiên đổ dồn vào cô ấy. Và tán lá của cây rõ ràng hướng về hướng mà Jacob đang chiến đấu, nhờ đó nghệ sĩ đã nhấn mạnh khu vực này. Phối cảnh của hình ảnh được nghiêng một cách có chủ ý.
Hơn nữa, chính Emil Bernard đã thấy rằng các bản khắc của Nhật Bản có tác động rất lớn đến tác phẩm này của Gauguin. Rõ ràng, khi
Việc so sánh tầm nhìn của Gauguin sau buổi lễ với các bản in của Nhật Bản có vẻ quá rõ ràng sau khi Vincent Van Gogh sao chép các bản in của Hiroshige trên các bức vẽ của mình, có các cây được sắp xếp theo đường chéo và một dải màu đỏ. Tuy nhiên, đề cập đến những cuốn truyện tranh Manga của Hokusai, Bernard khá nguyên bản. Anh ấy so sánh các đô vật sumo trong tranh in của Nhật Bản với trận chiến của Jacob và thiên thần trong tranh của Gauguin. Các đặc điểm tương tự có thể được bắt nguồn từ các đặc điểm trên khuôn mặt của các nữ tu. Cốt truyện cho chúng ta thấy một câu chuyện trong Kinh thánh, trong đó Jacob chiến đấu với một thiên thần.
Gauguin đã cố gắng sử dụng kỹ thuật Breton, kỹ thuật này "nghiêng" không gian về phía người xem một cách trực quan. Những người phụ nữ đội những chiếc mũ trắng khác nhau và có vẻ như họ là những người duy nhất nhìn thấy những gì đang diễn ra trong bức ảnh. Một số màu trong ảnh chiếm ưu thế so với những màu khác – đó là các sắc thái đỏ, đen và trắng. Vì vậy, họa sĩ cho chúng ta thấy đặc điểm u ám của bức tranh này. Màu đỏ trên tấm bạt này thu hút ánh nhìn của người xem nhiều nhất, nó tượng trưng cho sự hiếu chiến, trận chiến diễn ra trong bức ảnh này.
Thời kỳ Tahitian thứ hai của Gauguin trở nên rất hiệu quả. Bộ sưu tập của tác giả xuất hiện nhiều tác phẩm ấm áp, sống động và tích cực - mục vụ Tahitian. "Khung cảnh cuộc sống của người Tahiti" là một tác phẩm về chủ đề mà các nhà sử học nghệ thuật liên quan đến thể loại thần thoại. Một người bình thường khó có thể đánh giá được mức độ hoang đường của cốt truyện này, do không biết những huyền thoại về sự thật lịch sử của Châu Đại Dương. Đôi khi nó không cần thiết chút nào. Thật vậy, mục đích của bức tranh không phải lúc nào cũng phải có một ẩn ý cụ thể. Nó là đủ để viết một bức tranh đẹp và nó sẽ trở nên phổ biến.
Tuy nhiên, chủ đề của hình ảnh được trình bày phản ánh sự độc đáo của người dân đảo, đặc biệt là hành vi, quần áo của họ và cả cảnh quan của thiên nhiên về đêm. Không giống như nhiều bức tranh từ thời kỳ này, bức tranh này đáng chú ý vì có sự nhầm lẫn nhất định về những gì đang xảy ra, bảng màu tối và sự lo lắng. “Cảnh” được thực hiện bằng kỹ thuật họa khô khan và trông giống như một bức bích họa với lối vẽ khô khan. Các cạnh bị nghiền nát đến mức kết cấu của tấm bạt bị bung ra, để lộ kiểu dệt của các sợi chỉ. Vết màu hoa cà ở hậu cảnh trông rất lạ, có thể nói là thừa.
Điều này cho thấy ý tưởng rằng Gauguin chỉ đơn giản là vẽ lên khu vực không thành công. Một nhân vật xuất hiện trong tác phẩm – một người đàn ông, vốn đã xuất sắc. Phần thân của anh ấy nghiêng về phía trước, như thể anh hùng sắp chạy. Cốt truyện gây xáo trộn trong tâm trạng của nó, cả người quan sát bên ngoài và người cưỡi trên con ngựa đang chồm lên đều có liên quan ở đây, ngay cả con chó ở phía trước với sự căng thẳng cũng mong đợi điều gì đó khủng khiếp từ bản chất hoang dã của màn đêm. Việc Gauguin miêu tả ban đêm được thể hiện bằng màu xanh của bầu trời – buồn tẻ, bão hòa và dày đặc. Bầu trời không trăng lơ lửng với một chiếc máy bay hạng nặng phía trên những anh hùng không phòng bị. Ngẫu nhiên, sự phân tán của mọi người trên canvas gây ra sự mất cân bằng cho bố cục.
Không có chi tiết thống nhất ở đây, tác giả đã đánh mất điều gì đó, xé cốt truyện thành những cảnh riêng biệt. Trong hình ảnh này, có một sắc thái đặc trưng khác trong bức tranh của Gauguin - một màn hình phẳng của các chi tiết có vẻ đồ sộ, cũng như không có bóng mà các hình nên tạo ra. Việc bỏ qua các kỹ thuật vẽ như vậy mang lại cho bức tranh một đặc điểm của một thị trấn nhỏ. Tuy nhiên, đó là phong cách viết của Gauguin, nó được đoán và đặc trưng cho danh tính của anh ta.
Một trong những bức tranh dễ nhận biết nhất của Paul Gauguin - "Người đàn bà cầm trái cây", còn được biết đến với cái tên Maori "Bạn đang đi đâu?". Một số học giả tin rằng chữ ký đặt câu hỏi, rất đặc trưng của nhiều tác phẩm từ thời Polynesia, đã xuất hiện nhiều năm sau đó.
Cốt truyện của bức tranh dựa trên mô tả hàng ngày về ngôi làng bình thường ở Tahiti, nơi có vẻ xa lạ và kỳ lạ đối với người châu Âu.
Ở phía trước, một cô gái trẻ với một dải băng pareo màu đỏ quanh hông. Trên tay người phụ nữ Tahiti là một loại trái cây kỳ lạ, trông giống như một chiếc hộp mà cô ấy cẩn thận giữ. Các nhà sử học nghệ thuật khác cho rằng trên tay cô gái thực sự có một chiếc bình bí ngô, điều đó có nghĩa là nữ nhân vật đang đi lấy nước.
Bản thân người nữ được miêu tả khá phẳng, theo phong cách của Gauguin. Cô ấy có màu da đẹp, thân hình cường tráng. Có bằng chứng cho thấy không ai khác ngoài Tehura, người vợ trẻ của Gauguin, trong ảnh.
Bối cảnh của Tahitian hùng vĩ là hai túp lều với cư dân của họ, những người có khuôn mặt và hình dáng được triển khai cho người xem. Tất cả thiên nhiên được thể hiện một cách tĩnh tại, bởi vì họa sĩ không bao giờ tìm cách truyền tải trong các bức tranh của mình những phản xạ tinh tế của mặt trời và chuyển động của không khí – mục đích của ông là nắm bắt một khoảnh khắc nhất thời – một khung hình.
Sau khi Gauguin được cộng đồng nghệ thuật chấp nhận, các học giả vội vàng giải thích di sản nghệ thuật của bậc thầy, "Bạn đang đi đâu vậy?" cũng không ngoại lệ. Một số người bắt đầu nhìn thấy ở hòn đảo nhỏ với một loại trái cây trên tay là hiện thân đặc biệt của đêm giao thừa, và ngược lại, loại trái cây này là biểu tượng của tình mẫu tử và khả năng sinh sản. Những người khác đã nhìn thấy hình ảnh ám chỉ đến hoàn cảnh cá nhân của nghệ sĩ – người phụ nữ đứng bên phải với đứa trẻ ám chỉ đến vị trí thú vị của vợ Tehura, người mà cô ấy thấy mình vào thời điểm tạo ra tác phẩm.
Bức tranh được mua bởi thương gia và nhà từ thiện nổi tiếng người Nga Ivan Morozov và đến Nga để hoàn thành bộ sưu tập cá nhân tuyệt vời của mình. Như thường lệ, hình ảnh của Gauguin, cùng với những kiệt tác khác, đã được quốc hữu hóa sau cuộc cách mạng.
Một trong những sự thật gây tò mò nhưng ít được biết đến là có hai phiên bản của bức ảnh này: phiên bản đầu tiên của bức ảnh trẻ hơn một tuổi so với bức được trưng bày tại Hermitage, và nó ở Đức tại Bảo tàng Nhà nước Stuttgart. khác hẳn với tác phẩm nổi tiếng “Người đàn bà cầm trái cây”.
Tình bạn giữa Van Gogh và Gauguin đầy mâu thuẫn và kết thúc khi Van Gogh tự cắt tai trái của mình. Kể từ đó, họ chưa bao giờ gặp lại nhau, tuy nhiên, thư từ vẫn tiếp tục.
Việc phân tích mối quan hệ giữa chúng được các học giả, nhà nghiên cứu văn hóa quan tâm. Bức chân dung này thể hiện tác phẩm của Gog trong loạt tranh nổi tiếng về hoa hướng dương.
bài chuyển hướng
1 2 3 4 5 6 7 số 8 Bài
tiếp theo»
Không có nhận xét nào:
Đăng nhận xét