Edward Weston – Tinh hoa của chủ nghĩa Hiện đại Mỹ trong nhiếp ảnh

 

Edward Weston 

Edward Weston – Tinh hoa của chủ nghĩa Hiện đại Mỹ trong nhiếp ảnh

Nguồn

Với phong cách táo bạo trong việc xử lý vật thể hoặc cơ thể về mặt hình thức, kết cấu và ánh sáng, Edward Weston đã trở thành nhân vật trung tâm của sự phát triển nhiếp ảnh Hiện đại ở California và là nét chấm phá độc đáo của Nhóm F/64. Những bức ảnh hiện thực có độ phân giải cao của Weston về các hình dạng hữu cơ và những điều kỳ diệu hiện đại đã khuyến khích người nhìn xem xét lại những vật thể có vẻ tầm thường và hình thành mối liên hệ mới với chúng. 

Càng về giai đoạn sau của sự nghiệp, tác phẩm của Weston ngày càng trở nên trừu tượng, tập trung vào hình thức với mục đích nắm bắt bản chất của đối tượng được khắc họa. Những phong cảnh rộng lớn, uốn lượn được biến thành những mô hình phẳng; những hình thể khỏa thân bị cắt xén thì trở thành những hình dạng thuần túy; những loại rau tròn trịa bắt đầu mang hơi hướng của con người trong các tác phẩm của ông. 

Khỏa thân (Nude) (1925) của Edward Weston, Bảo tàng Nghệ thuật Metropolitan, Thành phố New York. Ảnh chụp cận cảnh một phụ nữ khỏa thân, nằm sấp, phần trên vai và ngay dưới hông. Những đường cong uyển chuyển trên lưng người mẫu tỏa ra một loại ánh sáng, nổi bật trên nền trung tính thiên tối gợi cho người xem khung cảnh của đường chân trời.

Edward Weston không chỉ thay đổi cách người xem nhìn các vật thể thông thường mà còn cả cách chúng ta nghĩ về phương tiện chụp ảnh. Những tác phẩm được phóng đại về những địa điểm và đồ vật quen thuộc của ông, khơi dậy lòng hiếu kỳ và bày ra trước mắt người xem một khung cảnh, một góc nhìn rất lạ kỳ. Weston đã đưa nghệ thuật vượt ra khỏi lĩnh vực của chủ nghĩa tượng hình, không còn bắt chước hội hoạ, đồng thời khẳng định vị thế là một phương tiện nghệ thuật đúng nghĩa.

Lá bắp cải (Cabbage Leaf) (1931) của Edward Weston, Viện Nghệ thuật Chicago. Lá bắp cải mở rộng nhận thức trực quan của người ta về loại rau bình thường và quen thuộc này với hình ảnh đơn độc của một chiếc lá bị bong ra. Cấu trúc các đường gân nhô cao và các đường vân thẳng của hình dạng héo úa nổi lên rõ ràng trên nền phẳng, tối khiến vật thể nom giống như một tác phẩm điêu khắc. Điều này tạo ra một sắc thái tinh tế của sự duyên dáng và chuyển động trong tác phẩm. Tác phẩm đã nâng tầm một thực phẩm thông thường thành một đối tượng của mỹ thuật.

MCINTOSH COLLECTION

Câu chuyện đằng sau bức ảnh Pepper No. 30 (Quả ớt chuông số 30)

bài viết: Phạm Hải Đăng

Đằng sau mỗi bức ảnh là cả 1 câu chuyện

Pepper No. 30 (quả ớt chuông số 30) là tên của bức ảnh bạn đang xem. Có lẽ bạn đã từng thấy qua bức ảnh này, đây là một trong những bức ảnh rất nổi tiếng được chụp bởi nhiếp ảnh gia lừng danh Edward Weston (1886-1958) .

Thời điểm bức ảnh ra đời là vào năm 1930, khi ông đã bắt đầu lớn tuổi. Sau một thời gian dài lang thang khắp nơi chụp phong cảnh và những cô gái, Edward Weston chuyển sang chụp những chủ thể "tầm thường" mà ông tìm thấy xung quanh mình. Ông gọi đó là chụp "tĩnh vật" (still lifes). Ông cũng chuyển từ thể loại ảnh mờ mờ ảo ảo mang tính "nghệ thuật" sang thể loại ảnh rõ nét mang tính "nhiếp ảnh".

Sau khi chuyển hướng sang những chủ thể "tầm thường", đến năm 1929, Edward Weston đặc biệt quan tâm đến quả ớt chuông (pepper). Ông đã chụp rất nhiều ảnh về quả ớt chuông với hậu cảnh thường là những tấm rèm hay tấm bìa trắng, nhưng kết quả thu được không khiến ông hài lòng do độ tương phản giữa chủ thể và hậu cảnh quá lớn.

Vào ngày 03/08/1930, Edward Weston nhặt được một cái phễu bằng thiếc, ông đã đặt quả ớt chuông vào trong cái phễu và tiến hành chụp. Ban đầu, ông dự định chụp với thời gian phơi sáng là 6 phút. Sau khi bấm máy, ông đã bỏ đi làm việc khác trong thời gian chờ đợi, và đến tận 6 giờ sau ông mới nhớ ra và quay lại hoàn tất bức ảnh của mình. Mặc dù vậy, kết quả thu được đã khiến Edward Weston vô cùng hài lòng - do được đặt trong cái phễu kim loại nên ánh sáng từ môi trường đã đổ khá đồng đều lên quả ớt, tạo nên những ven sáng, nhấn mạnh từng đường nét trên thân của nó.

Mặc dù rất hài lòng với bức ảnh này, nhưng Edward Weston lại khá thất vọng với cái cách mà người khác đón nhận nó. Đối với ông, tuy ông có nâng nó lên với những mỹ từ cao xa thật, nhưng đây chỉ là quả ớt; trong khi đối với nhiều người xem, họ cho rằng đây là một bức ảnh "gợi dục", làm họ liên tưởng đến những thứ như cơ thể người trần truồng, hai người đang "mây mưa" hay thậm chí là cơ quan sinh dục nam hay nữ ...

Dù sao đi nữa, đây vẫn là một bức ảnh được công nhận là một trong những biểu tượng của nhiếp ảnh hiện đại và được nhiều người săn lùng. Hầu hết các bản in của bức ảnh này do Edward Weston thực hiện đều đã được nằm trang trọng trong những viện bảo tàng , trong khi những bản in do con trai ông là Cole Weston thực hiện thì được bán rộng rãi hơn cho công chúng.

Một số ảnh do Edward Weston chụp

Tác giả bài viết: Minh (7bua), vuanhiepanh.com minh họa thêm

Xem thêm

Nấm- Toadstool, 1931

Vỏ (Shell) (1927)

Đá mòn -Eroded Rock, Point Lobos, 1930

Bertha, Glendale

Bertha, Glendale

Cameron, Arizona 1941

Charis, Lake Ediza

Dunes, Oceano 1936

Dunes, Oceano 1936

Juniper-Tenaya Lake 1937

Dunes, Oceano 1936

Nautilus 1927

Pepper 1929

Prologue to a Sad Spring1920

Rain over Modoc Lava Beds 1937

White Sands, New Mexico 1941

Edward Weston & Nhiếp ảnh thời hiện đại

 

Portrait of Edward Weston, 1946.

 Edward Weston đã đưa nhiếp ảnh vào thời hiện đại như thế nào

 Nguồn

Edward Weston đã chứng minh nhiếp ảnh có thể là một thứ gì đó vượt xa chỉ là một thủ thuật tiện lợi, vì ông đã giúp đặt nền móng sáng tạo cho phương tiện này.

Với việc nhiếp ảnh được nhiều người coi là thiếu tính nghệ thuật vào đầu thế kỷ 20, tác phẩm mở rộng của Edward Weston đã đảm bảo được mọi người chú ý. Qua tĩnh vật, phong cảnh, ảnh khỏa thân và chân dung, tư duy cầu tiến của anh đã mang lại cho nhiếp ảnh một nét hiện đại rất cần thiết.

Khi nhiếp ảnh nổi lên từ thời Victoria và các nghệ sĩ đã tìm ra những cách sáng tạo để tái tạo hiện thực trên phim nhạy sáng, Edward Weston đã đóng một vai trò quan trọng trong việc đưa loại hình nghệ thuật này đến với thế giới rộng lớn hơn. Sinh năm 1886 tại Highland Park, Illinois, niềm đam mê nghệ thuật ban đầu của Weston được khuyến khích bởi người cha có tấm lòng nhân hậu và một người chị gái đã tặng anh chiếc Kodak Bulls-Eye số 2 nhân dịp sinh nhật lần thứ 16 của anh.

Weston đã sớm thành công với việc xuất bản hình ảnh toàn trang trong Camera & Darkroom. 

Điều này đã thúc đẩy mong muốn trở thành một nhiếp ảnh gia của Weston, và nó chỉ càng được củng cố khi anh đến thăm người chị gái đã chuyển đến Tropico, California. Yêu mảnh đất này, dải  bên Bờ biển Thái Bình Dương đã trở thành quê hương nhiếp ảnh của Weston.

Ngày nay, Weston được công nhận là một trong những nhiếp ảnh gia tiên phong của thế kỷ 20. Nhưng sự nghiệp của ông không có khởi đầu hào nhoáng như một số người cùng thời. Mặc dù rất muốn trở thành một nhiếp ảnh gia toàn thời gian, nhưng ban đầu anh ấy đã tìm được việc làm ở California với tư cách là nhân viên khảo sát đường sắt. Trong thời gian rảnh rỗi, anh mang theo một chiếc máy ảnh bưu thiếp đến từng nhà, đề nghị chụp chân dung các gia đình và thú cưng của họ với giá một đô la cho mỗi chục bức ảnh. 

Cuối cùng, Weston kiếm sống bằng nghề chỉnh sửa âm bản và dần dần phát triển danh sách khách hàng, giúp anh mở một studio chụp ảnh cơ bản, nơi trở thành nơi nghỉ dưỡng sáng tạo của anh trong 20 năm tiếp theo. Tại đây, anh được biết đến nhờ những bức chân dung bằng tranh ảnh - một phong cách cũng được Alfred Stieglitz, Ansel Adams và Margrethe Mather sử dụng. Với Chủ nghĩa báo ảnh theo bước chân của các họa sĩ thời Victoria, các nhiếp ảnh gia thời kỳ đầu đã phát triển tính thẩm mỹ mơ hồ để phân biệt phương tiện này với các loại hình nghệ thuật lâu đời hơn. Bất chấp thành công ngày càng lớn của mình, Weston đã sớm tìm kiếm một sự thay đổi mạnh mẽ về hướng đi. Anh ấy đã phát triển kỹ năng và danh tiếng của mình với tư cách là một nhiếp ảnh gia bằng cách chú ý đến ngành công nghiệp nhiếp ảnh đang thay đổi xung quanh anh ấy như thế nào.

Đá bị xói mòn - Eroded Rock, Point Lobos, 1930

Phong trào hiện đại của nước Mỹ đang phát triển

Với việc Weston đã cảm thấy không hài lòng với công việc của mình trong một thời gian, chuyến thăm của anh tới Triển lãm Quốc tế Panama-Thái Bình Dương năm 1915 là một trải nghiệm thay đổi cuộc đời. Hội chợ thế giới nhộn nhịp này đã mang đến cho anh cái nhìn cận cảnh về một loạt bức tranh tiên phong của các ngôi sao sáng giá ở châu Âu như Cezanne, Rodin, Picasso và Matisse, lấp đầy tâm trí anh bằng những khả năng chụp ảnh mới. Sự sáng tạo này cũng được thúc đẩy bởi mối quan hệ mới của anh với nhiếp ảnh gia phóng túng Margrethe Mather, người đã trở thành trợ lý studio và người mẫu của anh.

Mặc dù tác phẩm nhiếp ảnh của Mather phần lớn đã bị lãng quên nhưng ảnh hưởng của cô đối với Weston là không thể phủ nhận. Cô khuyến khích anh theo đuổi bản năng chủ nghĩa hiện đại đang chớm nở của mình và áp dụng một phong cách được các nhiếp ảnh gia thời kỳ đầu gọi là 'thẳng thắn' hoặc 'nhiếp ảnh thuần túy'. Với các nhiếp ảnh gia tiến bộ thời đó đang tìm cách từ chối quá trình lấy nét mềm và bị thao túng nặng nề của chủ nghĩa tranh ảnh, Weston và các nghệ sĩ có cùng chí hướng khác đã bắt đầu chụp những bức ảnh sắc nét, chi tiết nhằm tìm kiếm vẻ đẹp trong các đồ vật và bối cảnh hàng ngày.

Khi Weston dành vài năm tiếp theo để hoàn thiện cách tiếp cận của mình, anh ấy đã lấy thêm cảm hứng từ tình bạn của mình với kiến ​​trúc sư người Áo Rudolph Schindler, người nổi tiếng với kiến ​​trúc tối giản. Với việc Weston thêm các vật thể được xây dựng ẩn danh như đường và biển báo vào vốn từ vựng trực quan của mình, một trong những tòa nhà nổi bật duy nhất mà anh chụp được là ngôi nhà mùa đông của Frank Lloyd Wright, Taliesin West. Như Weston đã viết trong sổ tay của mình, một nghệ sĩ hiện đại phải xem xét sâu sắc “kiến trúc của thời đại, tốt hay xấu – thể hiện nó theo những cách mới và hấp dẫn”. Năm 1922, Weston có cơ hội áp dụng những ý tưởng nhiếp ảnh mới của mình vào thực tế. Sau chuyến thăm Phòng trưng bày 291 nổi tiếng của Stieglitz ở Thành phố New York, anh tình cờ gặp một nhà máy công nghiệp rộng lớn, Armco Steelworks, nơi anh chụp một số tác phẩm nổi tiếng nhất của mình.

Với mong muốn tìm kiếm những bối cảnh sáng tạo mới và phát triển suy nghĩ của mình về nhiếp ảnh trừu tượng, Weston đã đến Thành phố Mexico cùng với nghệ sĩ và nhà hoạt động gốc Ý, Tina Modott. Tại đây, anh đắm chìm trong thời kỳ Phục hưng Mexico thông qua cuộc gặp gỡ với những nhân vật nghệ thuật có ảnh hưởng như Diego Rivera và José Clemente Orozco. Sau khi phát triển niềm đam mê với nghệ thuật, kiến ​​trúc và cảnh quan sa mạc của khu vực, Weston đã tạo ra những ví dụ ban đầu về sự hình thành đá và mây mang tính biểu tượng của mình. Anh cũng nghiên cứu sâu hơn về nhiếp ảnh tĩnh vật, tìm kiếm những kết cấu và tông màu ẩn giấu trong đồ đất nung truyền thống, đồ gia dụng và cây cọ.

“Tiêu số 30 trở thành một trong những hình ảnh lâu bền nhất của thể loại tĩnh vật”

Khỏa thân, 1936. Đây là Charis Weston Wilson, vợ ông.

Ảnh chụp ở Santa Monica, California.

Củng cố di sản của ông

Trở lại Bờ biển Thái Bình Dương vào năm 1926, Weston không kém phần truyền cảm hứng “làm cho những điều bình thường trở nên khác thường” thông qua nhiếp ảnh. Sống trong một căn nhà gỗ nhỏ gần Vịnh Carmel, Weston bắt đầu một thời kỳ đầy ám ảnh với việc thử nghiệm chụp ảnh bằng trái cây, rau và vỏ sò. Với việc 'Pepper No. 30' trở thành một trong những hình ảnh lâu dài nhất của thể loại tĩnh vật, về nhiều mặt, Weston coi hình ảnh này là đỉnh cao trong quá trình phát triển nghệ thuật của mình.

“Đó là một món cổ điển, hoàn toàn thỏa mãn - một hạt tiêu - nhưng hơn cả một hạt tiêu; trừu tượng, ở chỗ nó hoàn toàn nằm ngoài chủ đề. Nó không có thuộc tính tâm lý, không có cảm xúc nào của con người được khơi dậy: loại hạt tiêu mới này đưa chúng ta vượt ra ngoài thế giới mà chúng ta biết trong tâm trí có ý thức.”

Ông cũng dành thời gian dài để ghi lại vẻ đẹp tự nhiên của Point Lobos, với những cồn cát nhấp nhô, những hàng cây nhô ra và những khối đá thanh lịch. Giống như những hình ảnh của Ansel Adams đồng nghĩa với Yosemite và Eliot Porter với New England, những hình ảnh giàu cảm xúc và chi tiết của Weston đã trở thành biểu tượng cho đường bờ biển độc đáo của California.

Vào cuối sự nghiệp nhiếp ảnh của Weston, vốn bị cắt đứt vì căn bệnh Parkinson, ông cũng đồng sáng lập Group f/64 cùng với những tín đồ nhiếp ảnh thuần túy khác như Ansel Adams, Imogen Cunningham và Willard Van Dyke. Tập thể nhiếp ảnh có sức ảnh hưởng lớn này được dành riêng để quảng bá hình ảnh sắc nét và không bị thao túng, với mục đích khuyến khích khán giả suy ngẫm về môi trường xung quanh hàng ngày của họ với sự đánh giá cao hơn.

Với tác phẩm nhiếp ảnh của Weston bao gồm nhiều thể loại, kỹ thuật và sức ảnh hưởng đáng kinh ngạc, không còn nghi ngờ gì nữa, ông đã đóng một vai trò đặc biệt trong việc đưa phong trào nhiếp ảnh của Mỹ vào thế giới hiện đại. Như Weston đã mô tả: “Chương trình thực sự của tôi được tóm gọn trong một từ: cuộc sống. Tôi mong đợi chụp được bất cứ thứ gì được gợi ý bởi từ đó mà hấp dẫn tôi.”

“Khi chủ đề bị buộc phải phù hợp với những khuôn mẫu đã định sẵn, thì tầm nhìn sẽ không còn mới mẻ nữa.” — EDWARD WESTON

Cách chụp ảnh như Edward Weston

Edward Weston luôn tìm cách cải thiện công việc của mình. Ở đây, chúng tôi đã phác thảo một số mẹo đơn giản để giúp việc chụp ảnh của bạn đi đúng hướng.

Thu hút sự sáng tạo của bạn

Trong suốt sự nghiệp mở rộng của mình, Weston đã áp dụng cách tiếp cận theo chủ nghĩa cá nhân đối với khả năng sáng tạo nhiếp ảnh của mình. Mặc dù anh ấy đã đạt được thành công đáng kể trong việc tạo ra những hình ảnh theo chủ nghĩa tranh ảnh và có thể sẽ tiếp tục làm như vậy, nhưng anh ấy đã cố gắng dấn thân vào lĩnh vực tiên tiến của phương tiện này. Như Weston đã nói: “Khi chủ đề bị buộc phải phù hợp với những khuôn mẫu đã định sẵn, thì tầm nhìn sẽ không còn mới mẻ nữa”.

Tập trung vào độ sắc nét

Khi Weston phát triển phương pháp tiếp cận nhiếp ảnh theo chủ nghĩa hiện đại, giống như phong trào tiên phong của châu Âu, anh quyết định rằng việc tái tạo chủ nghĩa hiện thực rõ nét của cuộc sống hàng ngày là một hành động đáng theo đuổi. Được đặt tên là 'chụp ảnh thẳng', Weston giải thích triết lý sáng tạo của mình: “Máy ảnh nên được sử dụng để ghi lại cuộc sống, để thể hiện bản chất và tinh hoa của chính sự vật đó”.

Sử dụng kỹ thuật trực quan

Ngoài việc ủng hộ việc sử dụng khẩu độ nhỏ để mở rộng độ sâu trường ảnh, Weston còn cố gắng tránh cắt xén hình ảnh của mình nhiều nhất có thể. Để làm được điều đó, giống như Ansel Adams, ông tin rằng hình dung là điều cần thiết để tạo ra tác phẩm phản ánh ý định sáng tạo của mình. Hãy thử tưởng tượng hình ảnh hoàn thiện trong đầu bạn trước khi nhấn nút chụp.

“Người ta không suy nghĩ trong khi làm việc sáng tạo, cũng như không nghĩ gì khi lái xe ô tô. Nhưng một người có nền tảng nhiều năm – học tập, quên đi, thành công, thất bại, ước mơ, suy nghĩ, trải nghiệm, tất cả những điều này – rồi đến khoảnh khắc sáng tạo, tập trung tất cả vào khoảnh khắc đó,” Weston nói.

Thu hút ảnh hưởng từ mọi nơi

Mặc dù Weston bắt đầu sự nghiệp chụp những bức chân dung tương đối cơ bản, nhưng anh đã phát triển kỹ năng và danh tiếng của mình với tư cách là một nhiếp ảnh gia bằng cách chú ý đến ngành công nghiệp nhiếp ảnh đang thay đổi xung quanh anh như thế nào. Tìm kiếm tác phẩm sáng tạo trực tuyến, tham gia các cuộc triển lãm và xem xét các lĩnh vực bên ngoài nhiếp ảnh có thể ảnh hưởng như thế nào đến những gì bạn làm với máy ảnh. Như Weston đã khuyến khích: “Tôi sẽ nói với bất kỳ nghệ sĩ nào: đừng kìm nén trong công việc của mình, hãy dám thử nghiệm, hãy cân nhắc bất kỳ sự thôi thúc nào, nếu theo một hướng đi mới thì càng tốt”.

 

Trường phái hội họa Tân cổ điển

 Tìm hiểu trường phái hội họa Tân cổ điển

Nguyen Quyen

Trường phái Tân cổ điển là gì?

Trường phái Tân cổ điển (Neoclassicism) thống trị châu Âu qua hai thế kỷ 18-19 thường được định nghĩa một cách gọn ghẽ như sau: Tân cổ điển phủ định sự phù phiếm của Rococo, lấy cảm hứng từ nghệ thuật cổ điển Hy-La, chú trọng sự giản đơn và cân đối. Tuy nhiên trên thực tế, các tác phẩm Neoclassicism phong phú, linh hoạt và khó có thể tìm ra được điểm đồng nhất tuyệt đối.

Sự ra đời của trường phái Tân cổ điển

Vào cuối thế kỉ 18 đầu TK 19, hội họa chính thống ở châu Âu thường thích những gam màu đậm, sâu và những bóng đổ tối. Thiên nhiên hoặc lâu đài cổ thường được sử dụng chủ yếu làm nền cho chủ đề của bức tranh. Nó được thay đổi hoặc trang trí thêm để phù hợp nhất cho các buổi diễn kịch, có lẽ là một khoảng không của bầu trời bao la hay bão tố bị phân chia bởi những vệt sáng của mặt trời, cũng có thể là một khu vườn được tỉa gọn đẹp đẽ chăm chút nhưng chứa đựng những vết tích của sự huỷ hoại lịch sử. Bố cục tranh cổ điển thường mang kịch tính và đồ sộ, tập trung vào hành động trung tâm hoặc những đặc điểm của nhóm nhân vật. Những đặc điểm này được phóng đại so với thực tế và thường bao gồm những con người thời cổ Hy Lạp hoặc Đại Cách mạng Pháp. Nét vẽ cổ điển thường được sơn phết một cách tỉ mỉ, với bề mặt mịn, mục đích để dấu đi những vệt màu của họa sĩ. Chúng được tạo thành để gây ra ảo giác giúp cho người xem tưởng tượng ra có thể nhìn xuyên qua khung tranh và đi vào thế giới thật trong tranh. Dễ có cảm giác các tác giả muốn miêu tả hay rao giảng những bài học đạo đức bằng cách sử dụng các đề tài lịch sử, tôn giáo và thần thoại.

Bức tranh Nữ thần Diana và thần Cupid – Bantoni Pompeo

Yếu tố dẫn dắt Neoclassicism là một khát vọng đạt đến sự hoàn thiện. Các nghệ sĩ Neoclassicism yêu thích các đường nét sắc sảo, những hình khối rõ ràng, màu sắc tông lạnh điềm đạm, và đặc biệt là bề mặt tranh nhẵn bóng. Một tác phẩm Neoclassicism tinh túy sẽ không có đường cọ nào lộ ra. Đối với các nghệ sĩ Neoclassicism, cách tốt nhất để truyền tải tinh thần cổ điển là tạo ra các tác phẩm tương tự – hoàn mỹ, có khả năng chịu thử thách của thời gian mà không bị lạc mốt. Sự thanh thoát, giản dị nhưng hoàn hảo là cốt lõi của Neoclassicism, khác với Baroque nhiệt huyết sôi sục hay Rococo tình tứ nông cạn.
 

Chân dung Anne Marie Louise Thélusson – Jacques-Louis David – 1790

Các tác giả và tác phẩm tiêu biểu

Trường phái Tân cổ điển (Neoclassicism) ngự trị vững chắc lâu dài trong giới hàn lâm và chính quyền. Các tác giả xuất sắc có thể kể tới là Jacques-Louis David (1748-1825) và Jean-Auguste Dominique Ingres (1780–1867). Tuy nhiên sẽ thật thiếu sót nếu không nhắc tới người được cho là mở đầu cho trường phái này – Bantoni Pompeo, ông là họa sĩ nổi tiếng người Ý theo trường phái Rococo và Tân cổ điển.

Bantoni Pompeo 

Bantoni (1708-1787) sinh ra tại thành phố Lucca, trong gia đình người thợ kim hoàn. Rất có thể, những bài học đầu tiên về nghề nghiệp của người cha đã có ảnh hưởng đến phong cách sáng tạo sau này của Batoni, đó là sự chính xác và lộng lẫy trong các chi tiết của tác phẩm. Bantoni học vẽ ở thủ đô Roma, tại xưởng họa của các họa sĩ nổi tiếng thời bấy giờ là Agostino Mazushi và Sebatiano Konca.

Những bức tranh nghệ thuật đầu tay của Bantoni được họa sĩ sáng tác từ năm 1730, thể hiện rất rõ phong cách của trường phái Rococo, có đặc điểm là bố cục chặt chẽ, màu sắc tương phản rực rỡ và các hình thể nhân vật luôn trong tư thế động. Tuy nhiên, sau này khi nghiên cứu các tác phẩm của họa sĩ thiên tài thời Phục hưng là Raffaello Santi (1483-1520) và tư tưởng của trường phái tân Cổ điển, Bantoni đã thay đổi bút pháp và chủ đề của mình. Càng ngày họa sĩ càng quan tâm nhiều hơn đến các câu chuyện thần thoại và các sự tích trong kinh thánh đề cao tinh thần trách nhiệm, nghĩa vụ công dân của con người.

Đám cưới của của Cupid và Psyche anagoria – Bantoni Pompeo

Achilles tại Toà án Lycomedes – Bantoni Pompeo – 1745

Về bút pháp thể hiện, tư thế của các nhân vật trong tranh rất chuẩn xác và dứt khoát theo ý đồ của tác phẩm, còn chủ đề tư tưởng của tác phẩm cũng rõ ràng, khúc chiết hơn. Mặc dù thường lấy chủ đề trong các câu chuyện thần thoại và truyền thuyết, song các sáng tác của Bantoni vẫn mang hơi thở của đời sống hiện thực đất nước Italia thế kỷ XVIII thể hiện qua trang phục, vật dụng, cảnh vật…

Samson and Delilah – Batoni Pompeo

Khuynh hướng hiện thực trong tác phẩm của Bantoni được thể hiện rõ nhất qua thể loại tranh chân dung. Trong đó họa sĩ đã phản ánh một cách chính xác hơi thở của đời sống đương đại. Những bức chân dung thành công của họa sĩ luôn được vẽ một cách cẩn trọng, nghiêm túc, thể hiện sâu sắc nội tâm của người mẫu thông qua nét mặt. Các nhân vật trong tranh của Bantoni thường là tầng lớp quý tộc, được thể hiện trên nền phong cảnh hoành tráng. Mặc dù tính cách nội tâm và tâm trạng tình cảm của từng người mẫu trong tranh có khác nhau, song các người mẫu đều có nét chung là mang dáng vẻ của tầng lớp quý tộc.

Ngài John Armytage – Bantoni Pompeo

Đức Thánh Cha Ritratto VI – Bantoni Pompeo

William Legge – Bantoni Pompeo

Bantoni là người tiên phong trong thể loại chân dung hoành tráng theo phong cách Tân cổ điển và mở đầu cho trường phái Cổ điển (Classicism) bắt đầu từ thế kỷ XVIII tại các nước châu Âu.

Jacques-Louis David 

Jacques-Louis David (30 tháng 8 năm 1748 – 29 tháng 12 năm 1825) là một họa sĩ người Pháp theo trường phái Tân cổ điển. Ông là tác giả của nhiều bức họa đề tài lịch sử nổi tiếng như Oath of the Horatii (1784), The Death of Marat (1793), The Death of Socrates (1787), The Intervention of the Sabine Women (1799)…

Cái chết của Marat – David

Antoine Lavoisier và vợ của ông – David – 1788

Belisarius – David – 1781 

Belisarius đi xin bố thí 

Cái chết của Socrates – David – 1787

Jacques-Louis David sinh trưởng trong một gia đình giàu có ở Paris. Vì thế, ông có cơ hội tiếp cận và học hỏi các họa sĩ tài danh thời đó. David giành giải Prinx de Rome năm 1774 và trong một chuyến đến Italy, ông thực sự bị phong cách hội họa của Nicolas Poussin cuốn hút. Sau đó, ông đã sáng tác một loạt tác phẩm thành công. Ngày 9 tháng 11 năm 1799 danh tướng 30 tuổi Napoléon Bonaparte làm đảo chính, trở thành đệ nhất tổng tài, dứt điểm với cách mạng Pháp. Lúc bấy giờ Jacques – Louis David đã là một danh hoạ 51 tuổi. Từ một người thân cộng hòa, từng bị bỏ tù khi cách mạng thoái trào, nay ngả sang thân chế độ quân chủ, ông âm thầm vẽ các chân dung cho các nhà bảo trợ giàu có để kiếm tiền. Với bức “Những phụ nữ Sabine”, ra mắt công chúng cuối năm 1799, ông muốn ngầm gửi một thông điệp hoà giải giữa phe bảo hoàng và phe cộng hòa. Tuy nhiên công chúng xem tranh đã suy diễn rằng David muốn hoà giải với Napoléon. 

Phụ nữ Sabine – David – 1799

Lễ đăng quang của Napoleon – David – 1806 

Napoleon vượt dãy Alps (An pơ) – David

Phu nhân Récamier – David – 1800

Jean Auguste Dominique Ingres

Jean Auguste Dominique Ingres (29 tháng năm 1780 – 14 tháng 1 năm 1867) là một họa sĩ theo trường phái Tân cổ điển người Pháp. Mặc dù ông tự nhận mình là họa sĩ của lịch sử theo truyền thống của Nicolas Poussin và Jacques Louis David, đến cuối đời, chính những tranh chân dung do Ingres vẽ, cả bằng sơn màu và phác họa, mới được công nhận là di sản lớn nhất của ông.

Một bức phác họa chì của Ingres

Công chúa Albert de Broglie – Ingres – 1853

Người tắm – Ingres – 1808

Phu nhân Haussonville – Ingres 

Napoleon trên ngai vàng – Ingres – 1806

Là một người hết sức tôn sùng quá khứ, ông tự nhận mình với vai trò là người bảo vệ chính thống hàn lâm chống lại phong cách lãng mạn đang đi lên đại diện là họa sĩ đối địch Eugène Delacroix. Hình mẫu của ông, như ông từng giải thích, là “những người thầy vĩ đại nổi tiếng trong thế kỷ của những ký ức vinh quang khi Raphael thiết lập những ranh giới vĩnh cửu và không thể chối cãi trong nghệ thuật … do đó tôi là người bảo tồn học thuyết tốt đẹp, chứ không phải là người sáng tạo”. Tuy vậy, các ý kiến ngày nay có xu hướng xem Ingres và những nhà Tân cổ điển cùng thời với ông là hiện thân của tinh thần Lãng mạn vào thời đó, trong khi những biến cách về hình dáng và không gian mang tính biểu hiện khiến ông trở thành một điềm báo quan trọng cho nghệ thuật hiện đại.

The Virgin Adoring the Host – Ingres

Apotheosis of Homer (1827) – Ingres

Thetis cầu khẩn Jupiter – Ingres – 1811

Phi tần – Ingres – 1814

Ngoài những tác giả kể trên, hội họa Tân cổ điển còn ghi nhận những cái tên như: Elisabeth Vigée- Lebrun, Joshua Reynolds, … với những tác phẩm rất nổi tiếng, đóng góp cho sự phát triển rực rỡ của nên hội họa đương thời.

Sarah Campbell – Joshua Reynolds

Phu nhân Elizabeth Ingram – Reynolds

Chân dung tự họa – Elisabeth Vigée-Lebrun

Chân dung tự họa và con gái – Elisabeth Vigée-Lebrun

Chân dung tự họa – Elisabeth Vigée-Lebrun

DESIGNS.VN

 Nguồn